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sábado, 19 de agosto de 2017

HAPPY BIRTHDAY JOHN DEACON!!





Hoy 19 de Agosto, es una fecha importante para el queenero: el cumpleaños Nº 66 del siempre recordado bajista de QUEEN, JOHN DEACON. Y hace ocho años, publicamos este post en el blog, y he optado por actualizarlo y publicarlo con fecha de hoy, pero conservando la esencia del post creado en el 2009.


Como señalara en anteriores posts, cuando ví a QUEEN en TV por vez primera, presté atención solamente a Freddie Mercury y Brian May y no me fijé en los otros dos miembros, Roger Taylor y el bajista John Deacon. Cuando llegó 1980, y QUEEN era ya un poco más conocido para mí, le presté más atención a la presencia de John dentro del grupo y algo me llamó la atención: su sobriedad y perfil bajo al momento de tocar. No era el típico músico que hacía piruetas, que tuviese ansias de figurar o que le gustase hacerse notar. El se concentraba en lo suyo. En la década del 70 quienes más componían en la banda eran Freddie y Brian, mientras que John y Roger sólo aportaban uno o dos temas por album. No obstante ese poco peso autoral dentro de la banda, mi percepción sobre John cambió cuando escuché por primera vez el tema “You’re My Best Friend” -canción compuesta para su esposa Verónica con la que acababa de casarse- del album “A NIGHT AT THE OPERA”. Me pareció un bellísimo tema y donde John destacaba en el piano eléctrico, que le daba elegancia a la canción. Además en 1980, John alcanzó la fama como compositor cuando escribió el tema que se convirtió en el single más vendido de QUEEN en su historia: “Another One Bites The Dust”, del album “THE GAME”, que representa su contribución más exitosa en QUEEN, llegando al Nº 1 en los charts de USA y en varios países europeos y sudamericanos. De ese album, John sería también el autor de “Need Your Loving Tonight”, tema que me encantó cuando lo escuché. Al año siguiente, en 1981, cuando fui descubriendo la música de QUEEN, iba comprobando que los temas de John no tenían la exquisitez de los temas de Freddie, ni el estilo rockero de Brian o Roger. Pero eran sencillos, melódicos, de un estilo soft, y directos al corazón de los fans. Su primera composición en el grupo fue “Misfire” una balada simpática y agradable y durante los 70’s, sus temas mostraban un estilo parejo y lineal y que aportaban la nota melódica al grupo. Aunque en 1982 agregaría la nota funky a la banda -algo que fue duramente criticado por los fans-, para 1984 aportó a la banda uno de sus mayores hits, “I Want To Break Free”, que hasta ahora sigue siendo uno de los más preferidos por los fans. Curiosamente John fue el autor del tema que le dio el estrellato a QUEEN en USA, con “Another One Bites The Dust”, y a su vez, del tema que significó la estocada final a su popularidad en USA, “I Want To Break Free”, cuyo video escandalizó a la doble moral americana. En los siguientes años, John seguiría aportando con temas melódicos y algunos en coautoría con Freddie. En cuanto a sus composiciones dentro de QUEEN, mis favoritas siempre han sido “You’re My Best Friend”, “Spread Your Wings” y “Friends Will Be Friends”, y luego puedo mencionar los siguientes títulos que son parte de mis preferencias: “Misfire”, “You And I”, “Who Needs You“, If You Can’t Beat Them”, “In Only Seven Days”, “Need Your Loving Tonight”, "One Year Of Love" y “I Want To Break Free”.




Nacido en Leicester, su signo zodiacal es Leo y mide 1.75 m. En Febrero 1971 asistió a una discoteca y fue presentado a dos tipos, Brian May y Roger Taylor, quienes estaban buscando bajista para su grupo. Le preguntaron a John si le gustaría hacer una prueba y ésta tuvo lugar días después en el Imperial College. Brian y Roger pensaron que era muy bueno y que al ser un poco callado, podría adaptarse sin demasiados problemas. En pocos días fue llamado y aceptado y John se convertia así en el cuarto y definitivo miembro de QUEEN. Además, el hecho de ser un experto en electrónica inclinó la balanza para su aceptación y gracias a su formación como ingeniero electrónico, llegó a construir y adaptar equipos para la banda, siendo su creación mas conocida, el "Deacy Amp", usado por Brian May y él mismo.



Además del bajo, toca doble bajo y teclados. Es considerado uno de los mejores y más versatiles bajistas de la historia del rock. Su grupo preferido era The Police y su músico favorito era Stevie Wonder. Su película favorita era “Atrapados Sin Salida” y su artista favorita es Jean Alexander. Su bebida favorita es el Té y su principal hobby es la Electrónica. A nivel personal, está casado con Veronica Tetzlaff desde Enero 1975 y tienen 6 hijos: Robert (1975), Michael (1978), Laura (1979), Joshua (1983), Luke (1992) y Cameron (1993) y es el único que ha mantenido su matrimonio firme a lo largo de todos estos años.


Siempre fue el miembro “tranquilo” de la banda, y los otros miembros decían que él estaba a cargo de las finanzas del grupo. Es el único miembro de QUEEN que nunca cantó en algún tema en la voz principal. El mismo admitió que no podía cantar. Su estilo de tocar el bajo es uno pocas veces visto en las bandas de rock en los 70’s. En vez de sentarse al fondo del escenario tocando notas primarias o simples, él utilizaba el bajo como instrumento principal, así como también rítmico. Algunas de sus composiciones de bajo son bien difíciles de interpretar como "The Millionaire Waltz”, "Liar", "Sail Away Sweet Sister" y "You're My Best Friend”. Fue claramente influenciado por el estilo "Lead Bass" (El bajo como instrumento principal) de la Motown. Algunos temas de QUEEN cuentan con el bajo como instrumento principal, como por ejemplo “Dragon Attack”, “Another One Bites the Dust”, “Under Pressure” y “A Kind of Magic”. Cuando uno escucha a QUEEN, se nota la habilidad y la destreza de su bajista.




Luego de la muerte de Freddie, lo único que hizo con Brian y Roger fueron sus apariciones en el Tributo a Freddie en 1992 y su aparición junto a Elton John y el resto de la banda en una actuación benefica en Paris en enero de 1997 y participando además en la grabación del single “No-One But You”. Eso fue lo último que hizo John en QUEEN.




A partir de allí se retiró completamente de la actividad musical y ni siquiera ha participado de los proyectos de remasterización ni de los homenajes hechos a QUEEN en los últimos 19 años. Esto tendrá que ver con su deseo de llevar una vida familiar plena y feliz al lado de su esposa y sus seis hijos, lo cual se lo tiene bien merecido, y también al hecho que John siempre dijera que no había QUEEN sin Freddie -quien siempre lo alentaba para que escribiera y aportara a la banda-, y cuya muerte afectó muchísimo a John. Aunque no participó, John dio su visto bueno a Brian y Roger para la alianza “QUEEN + PAUL RODGERS” y ambos siempre han dicho que John estuvo al tanto de todo, pero que no participó por decisión propia. Una de las últimas fotos en la que se pudo ver a John Deacon, es la boda de su hijo mayor, en donde sale al lado de toda su familia, y que por cortesía de mi linda amiga chilena Nancy Jara, me autorizó publicarla. Adicionalmente, quiero compartir con ustedes un brillante artículo que en la web "El Blog de QUEEN", mi linda amiga Nancy Jara escribió sobre John Deacon. Ella como buena deaconiana y buena periodista, elaboró una nota sobre John y la comparto con ustedes dándoles el link: http://blog.queenero.com/2009/03/la-consecuencia-de-deacon-y-algo-mas.html




Hoy, con 66 años a cuestas, JOHN DEACON sigue en el recuerdo de todos los fans queeneros y es un músico reconocido por su calidad como compositor y bajista. John siempre tendrá lugar en el corazón de todos quienes lo admiramos por lo que representa en QUEEN. Muchos fans lo extrañan y algo que muchos deseamos ver sería una reaparición de John, lo cual sería un momento único en la historia de la banda. Quien sabe, quizás en un concierto de despedida, el buen John se anime a subir a un escenario junto a sus dos ex compañeros de tantas jornadas y nos regale una vez más, el sonido identificable de su bajo. Desde este blog, te recordamos y deseamos que Dios te de muchísimos años más de vida.






¡¡FELICES 65 AÑOS JOHN!!


viernes, 18 de agosto de 2017

BEE GEES: SUBWAY





Llegamos al tercer viernes de Agosto, y hoy corresponde presentarte el segmento musical dedicado a una canción de los BEE GEES. En esta ocasión, tendremos el tema proveniente del álbum “CHILDREN OF THE WORLD” de 1976: “Subway”. Me acuerdo que la escuché por primera vez en 1978, cuando a raíz del mega éxito del film “Saturday Night Fever” -sobre todo, de su banda sonora-, la música de los Bee Gees invadió de manera apabullante las programaciones en todas las radios locales. No había programa en que no se pasara una o dos canciones de los Gibb y hasta incluso, había una radio- que era Inca Radio- que tenía un programa diario de una hora con los Bee Gees. Fue allí donde supe de la existencia de “Subway”, y me pareció una buena canción, con un muy buen ritmo melódico e interpretada por Barry en falseto. Y hasta recuerdo haberla bailado más de una vez en esas recordadas fiestas de colegio en aquel lejano año 1978.



“Subway” fue escrita por Barry, Robin y Maurice Gibb y producido por Bee Gees, Albhy Galuten y Karl Richardson. Fue grabada entre el 19 de Enero y el 30 de Marzo de 1976, en Le Studio, en Morin Heights, Quebec, Canadá, y fue incluida en el álbum “CHILDREN OFTHE WORLD”, el cual fue lanzado el 13 de Setiembre de 1976. Y en lo que respecta a su performance en concierto, nunca fue tocada en vivo en los tours del trío, y ello debido a no haber sido single y solamente un álbum track. Hasta el próximo mes de Setiembre, en donde tendremos un tema del álbum “E.S.P.”. Será hasta el viernes 22 de Setiembre. Hasta entonces.




jueves, 17 de agosto de 2017

HACE 35 AÑOS (1982-VII)





Siendo el tercer jueves del mes de Agosto -ya que ayer miércoles publiqué dos posts por los 40 años de la partida de Elvis Presley-, hoy me toca presentarte el segmento musical dedicado al año 1982, hace 35 años, cuando quien escribe tenía 19 años de edad. Y en este mes, he querido elegir tres buenos temas interpretados por los grupos norteamericanos Survivor, REO Speedwagon y The Go-Go’s.

En primer lugar, tenemos al grupo Survivor con el gran hit “Eye Of The Tiger”, que fue el tema principal del film “Rocky III” y escrito por Frankie Sullivan y Jim Peterik, e incluido en el álbum “EYE OF THE TIGER”, llegando al N° 1 en USA por 6 semanas y al N° 1 en UK. Luego sigue REO Speedwagon con la canción “Keep The Fire Burning”, escrita por Kevin Cronin e incluida en el álbum “GOOD TROUBLE”, llegando al N° 7 en USA. Y finalmente, tenemos al quinteto femenino The Go-Go’s con el buen tema “We Got The Beat”, escrito por Charlotte Caffey e incluido en el álbum “BEAUTY AND THE BEAT”, llegando al N° 2 en USA por 3 semanas.





Este ha sido el sétimo segmento musical de 1982. Espero que esta trilogía musical haya sido de tu agrado y como siempre, te espero con tu visita y comentario, e indicando cuál de estas tres canciones te ha gustado más. Yo tengo la mía y lo compartiré contigo cuando conteste tu comentario. Hasta el próximo mes de Setiembre, en donde tendremos una trilogía con tres temas interpretados por John Mellencamp, Jackson Browne y Lionel Richie. Será hasta el miércoles 13 de Setiembre. Hasta entonces.



miércoles, 16 de agosto de 2017

16 DE AGOSTO: RECORDANDO A ELVIS PRESLEY





Hoy 17 de Agosto, se cumplen 40 años de la partida del Rey del Rock, ELVIS PRESLEY. Y en esta oportunidad deseo recordar al gran Elvis, con algunos muy buenos covers que se grabaron de algunos de sus éxitos. Y por supuesto, aprovecho también para recordar en esta fecha a quien fuera mi gran amigo Jorgito Cox, quien fuera el fan número 1 de Elvis en el Perú. ¡Se te extraña Jorgito! Y también a mi entrañable amiga, Dianita García, hincha acérrima del Rey del Rock.

A continuación, vienen seis canciones que en mi opinión, le rinden un justo tributo a Elvis y aportando ese toque adicional que hace que destaque cada canción. Y solamente te presentaré los temas sin información detallada, con el único fin de que puedas disfrutar directamente las canciones y así recordar al incomparable Elvis Presley. Si estuviera haciendo un mini especial en la radio, estos serían los temas que yo elegiría en dos trilogías musicales. La primera trilogía contiene los temas "Don't Be Cruel" de Cheap Trick, "All Shook Up" de Billy Joel y "Suspicious Minds" de Fine Young Cannibals.




Y la segunda trilogía incluye los siguientes covers: "That's All Right Mamma" de Paul McCartney, "Always On My Mind" de Pert Shop Boys y "Can't Help Falling In Love" de UB40. 



Esta ha sido nuestra manera de recordar al gran ELVIS PRESLEY, quien con su estilo único de cantar, sus movimientos agresivos en el escenario, su enorme carisma, y demás cualidades, llegó a ser una de las mayores figuras musicales de la historia de la música contemporánea. Muchos reconocen que Elvis fue la chispa que cambió la música popular y a toda una generación, y que gracias a él, muchos grupos y artistas tomaron el mismo camino. Por más que pasen los años, su legado musical permanece intacto y su trono de Rey del Rock and Roll siempre seguirá ocupado por él. Y me encantaría cual o cuales de estos buenos covers son los más te han gustado. Disfrútalos.




ELVIS PRESLEY: EL REY DEL ROCK & ROLL




Uno de los íconos musicales más importantes en la historia de la música contemporáneo ha sido ELVIS ARON PRESLEY, quien llegó a ser considerado como el indiscutido Rey del Rock and Roll. Y por supuesto, en el blog, no podíamos dejar de dedicarle un post, a la altura de su trascendencia en el mundo de la música. No pretendo en este post hacer una biografía detallada de Elvis ni un análisis estadístico de sus álbumes y canciones, sino más bien una breve semblanza sobre cómo llegó su música a mi vida, y cómo fui conociendo su importancia en la historia del rock. Y también quiero dedicar este post a la memoria de mi amigo Jorgito Cox. 

A modo de información, es buenos señalar que Elvis Presley nació un 8 de Enero de 1935. Y la primera vez que supe de Elvis Presley fue por su labor en el cine y fue entre los años 1976 y 1977. En ese momento, desconocía su glorioso pasado musical y me imaginaba que era un actor de cine que cantaba o un cantante que hacía películas. Calculo que habré visto unas dos o tres películas de Elvis, y no fueron nada del otro mundo. Recuerdo que el 16 de agosto de 1977 llegaba de mis clases de inglés en el Británico, y al llegar a casa, mi hermano Alex -quien tenía la costumbre de armar álbumes de fotos de artistas de cine-, me enseñó su álbum y lo abrió en la letra “P” y ví que debajo de la foto de Elvis Presley, había escrito “1935-1977”. Me quedé sorprendido con la noticia y supe por mi hermano que había muerto de un ataque al corazón a los 42 años de edad. Esa misma noche, esperé hasta las 10 pm para el comienzo del noticiero “24 Horas” y me acuerdo que Ernesto García Calderón anunció entre los titulares, “Los amantes del rock están de duelo: murió hoy Elvis Presley”. En ese momento me di cuenta que Elvis era algo más que un artista de cine que cantaba. En los siguientes días, los canales de TV -el 4 y 5- pasaron algunas películas suyas y el canal 4 difundió el especial “Aloha from Hawaii”, donde por primera vez escuché algunos de sus temas. Pero fue recién en 1982 cuando ví un documental sobre la historia del Rock and Roll, llamado “Héroes del Rock And Roll”, o algo así por el estilo, que supe por primera vez de su enorme importancia en la historia del rock y porqué era considerado como el Rey del Rock. Y realmente terminé de confirmar mis impresiones sobre Elvis cuando ví por TV en los 80's el documental "This Is Elvis".

En la segunda mitad de la década del 50, Elvis arrasó con todo y cosechó éxito tras éxito, con clásicos del rock and roll, como “Heartbreak Hotel”, “Hound Dog”, “Don’t Be Cruel”, “All Shook Up” y “Jailhouse Rock”, entre otros temas más. En esa década incursionaría en el cine en films que fueron bien recibidos por los fans y los críticos como “Love Me Tender”, “Jailhouse Rock”, “King Creole”, entre otros, todas enormes éxitos de taquilla. Del 55 al 59 era el mayor exponente del rock and roll y era el artista que más vendía discos en USA. Rompió todos los récords de ventas, alcanzando once números uno en forma consecutiva en la lista de sencillos, y cuatro números uno en la lista de álbumes. Pero era obvio que Elvis Presley era visto como una amenaza por los viejos conservadores, quienes lo consideraban un mal ejemplo para la juventud y sus movimientos de caderas escandalizaban las mentes cucufatas de ese entonces, al punto que en una de sus presentaciones en “El Show de Ed Sullivan” al cantar “Hound Dog”, la cámara lo mostró de la cintura para arriba. En 1958, hubo algo más poderoso que Elvis: El Ejército Norteamericano. Elvis fue llamado a servir en el Ejército y durante dos años, estuvo destacado en Alemania.



Cuando regresó de haber servido en el Ejército, su imagen como ícono del rock and roll no era la misma, y estaba más cercana al “establishment” que como una figura de rebeldía juvenil. Y para remate, en esa década del 60, y gracias a la “astucia” de su manager, el Coronel Tom Parker, Elvis priorizó su carrera cinematográfica en vez de la música, participando en películas para el olvido -cada cual más mala que la otra-, rodando un promedio de tres por año, hasta un total de 31, en donde era cualquier cosa menos un cantante símbolo del rock and roll, y en más de una película más parecía un payaso por las vestimentas que usaba. Todo ello opacó bastante su carrera musical en la década del 60 y el mismo Elvis reconoció que mientras él se dedicaba a hacer películas estúpidas, los Beatles conquistaban el mundo. Elvis se había convertido en una caricatura de sí mismo. A partir de 1964 comenzó el descenso en su hegemonía en el mundo del rock, tanto a nivel de ventas como de popularidad.



Pero en el año 1968, volvió al top de los hits parades norteamericanos después de su exitoso “1968 Comeback Special” para la televisión, cuando volvió a sus raíces y reivindicó su imagen, mostrándose como todos esperaban verlo: como el Rey del Rock. Al año siguiente reafirmó su vuelta a los conciertos en directo en el Hotel Internacional de Las Vegas, Nevada. Elvis había vuelto a lo suyo, a la música, de la cual nunca debió apartarse. En esta década del 60, destacó con muy buenas canciones, entre las que podemos mencionar a “It’s Now Or Never”, “Are You Lonesome Tonight”, “His Latest Flame”, “Can’t Help Falling In Love” y aobre todo, “Suspicious Minds”.




En los 70’s su apariencia tendría cambios debido a sus problemas de sobrepeso, y su adicción a las pastillas, que poco a poco fue minando su organismo y su salud. En 1973 realizaría el primer concierto televisado vía satélite de la historia desde Hawaii, conocido como “Aloha From Hawaii”, y visto por un número estimado de 1.500 millones de personas. En esta década Elvis se abocaría a las giras y aunque su imagen pudiera haberse deteriorado, su voz permanecía intacta y con el mismo magnetismo de siempre, y así la mantuvo hasta antes de su muerte. De esta década, tenemos los temas “The Wonder Of You”, “Always On My Mind”, “Moody Blue” y “My Way”.




Luego de conocer su trayectoria musical y su presencia en la historia de la música, llegué a la convicción de que Elvis fue único y no ha habido nadie como él, ni lo habrá. Si bien es cierto, antes de él, hubieron cantantes como Bill Haley con su tema “Rock Around The Clock”, o Little Richard con “Good Molly Miss Molly” que fueron los primeros himnos del rock and roll, pero la llegada de Elvis Presley fue un punto de quiebre que marcó un antes y un después y fue fundamental para llevar el rock and roll a todos los públicos y que no se quedara únicamente en música para gente de color. Elvis fue un blanco que cantaba y se movía con el sentimiento de un negro y por ello, rompió esquemas y se convirtió en el símbolo de toda una generación que veían en él a alguien con quien podían identificarse. Y de paso, abrió la puerta para los que vinieron después. Todos se refieren a él como obligada influencia, y John Lennon dijo claramente cuando murió Elvis: “Si no hubiera existido Elvis Presley, jamás habrían existido Los Beatles”.




Cuando escucho a Elvis, es inevitable que no recuerde a dos grandes amigos míos, quienes ya no están entre nosotros: Diana García y Jorge Cox. Dianita era hincha de Elvis y en sus programas musicales del recuerdo, el inmortal “Memories”, comencé a escuchar muchos de sus éxitos por primera vez. Cuando nos reuníamos en su casa a escuchar música, era infaltable la música de Elvis. Y sus especiales de Elvis cada 8 de enero y 16 de agosto eran maravillosos, y una satisfacción que tuve fue colaborar con un especial en el año 94 y que abarcó todo el programa. Dianita se encargaría del especial de Elvis en "Memories" y el que escribe coprodujo con Diana un especial de una hora que fue en el programa "Tu, Yo y Mis Discos", y que consistió en covers de Elvis: la primera media hora fue de artistas y grupos de USA y la segunda mitad fue de Gran Bretaña. Y ese especial rompió en sintonía y me quedé con ese gusto de haber sido parte de un especial dedicado a Elvis. Y en cuanto a Jorgito Cox, era sin duda alguna, el fan número 1 de Elvis en el Perú. Fue un tipo sencillo, campechano y sobretodo, amante de la buena música y del buen criterio musical. Presidente del Club de Fans de Elvis en el Perú, era un apasionado de la música de Elvis y siempre se preocupó en difundir el legado de Elvis en el Perú. Sin duda alguna, Jorgito Cox era un referente aquí en nuestro país en lo que se refiere a la difusión musical y popularidad de Elvis Presley. Era un conocedor total de su vida y su trayectoria, coleccionista de variada y surtida memorabilia de Elvis y sobretodo, principal artífice del club de fans de Elvis en el Perú, al cual se entregó en cuerpo y alma. Gran amigo, excelente persona y un profesional impecable con una trayectoria intachable en el mundo de la radio, y tuve la enorme suerte de contar con su amistad y confianza.



Por último, si Elvis viviera hoy, tendría 82 años. No me lo imagino a Elvis de viejo ochentón, y creo que una de las ventajas que proporcionó su repentina muerte, fue el haber inmortalizado para la posteridad su imagen juvenil de los 50’s, como un ícono del rock. Sobre el tema de su muerte, ha habido algunas versiones que cuestionan su muerte, en particular en el libro “Is Elvis Alive?”, de Gail Brewer Giorgio. Mi hermano me regaló ese libro en 1990 en mi cumpleaños y he podido leerlo y es interesante porque diversas interrogantes. Y hace algunos años le dediqué un post con mis impresiones sobre dicho libro. Hoy estamos recordando los 40 años de la partida del Rey del Rock and Roll: ELVIS PRESLEY, quien con su estilo único de cantar, sus movimientos agresivos en el escenario, su enorme carisma, y demás cualidades, llegó a ser una de las mayores figuras musicales de la historia. Además de sus innumerables récords, la calidad en las canciones que interpretó es lo que sigue generando que nuevas generaciones se interesen en su música. Ha encabezado por muchos años, la lista de de los artistas fallecidos con mayor recaudación por sus productos y anualmente su mansión Graceland es visitada por miles de personas de todo el mundo, siendo la segunda casa más visitada de los Estados Unidos, detrás de la Casa Blanca. Muchos reconocen que Elvis fue la chispa que cambió la música popular y a toda una generación, y que gracias a él, muchos grupos y artistas tomaron el mismo camino. Con el tiempo, Elvis Presley dejó de ser un icono estadounidense, para llegar a convertirse en uno de los mayores iconos mundiales de la música de todos los tiempos.




¡¡ELVIS PRESLEY SIEMPRE EN EL RECUERDO!!


lunes, 14 de agosto de 2017

FIGHT FROM THE INSIDE: BUEN ROCK DE ROGER





Llegamos al tercer lunes del mes de Agosto, y me toca presentarte el segmento queenero dedicado a un album track de QUEEN. En esta ocasión, he querido elegir un tema proveniente del álbum “NEWS OF THE WORLD” -que en este año 2017 cumplirá 40 años de su lanzamiento-, escrito por Roger. Me refiero al tema “Fight From The Inside”. Recuerdo que cuando escuché por primera vez esta canción no me gustó mucho, porque lo encontraba algo pesado para mis oídos. Pero muchas veces, con el tiempo uno puede ir variando de opinión, y habiéndola escuchado con detenimiento, mi percepción cambió y dentro de ese estilo duro que Roger le daba a sus composiciones dentro de QUEEN. El tema tenía un buen ritmo rockero y sobre todo, un imponente riff de guitarra, que le da ese inconfundible sabor rockero de QUEEN, y es uno de los primeros temas de la banda que se enfocaron de manera predominante en la batería y el bajo, en donde no hay un solo de guitarra. Siempre he considerado que en los álbumes de QUEEN en la década del 70, los temas escritos por Roger constituían la nota dura o algo hard dentro de ese versátil universo musical de QUEEN. 



“Fight From Te Inside” fue escrita e interpretada por Roger Taylor y producida por QUEEN, asistido por Mike Stone. Y es una de las pocas canciones de QUEEN en ser grabado casi todo por un miembro de la banda, en este caso, Roger, quien además de interpretar el tema y hacer los coros, también tocó la batería, la guitarra rítmica y el bajo, y en donde Brian solo participó en la guitarra. Ni Freddie ni John formaron parte de las sesiones de grabación.  Incluso, el guitarrista Slash ha considerado el riff de guitarra de este tema, como uno de sus favoritos de siempre. Finalmente, en lo que concierne a su performance en concierto, nunca fue interpretado por la banda en sus shows, quizás por el hecho de no haber sido lanzado como single, o de repente, por ser un tema en el cual no participaron los cuatro miembros del grupo. Hasta el próximo mes de Setiembre, en donde tendremos el álbum track “All God’s People”, proveniente del álbum “INNUENDO”. Será hasta el lunes 19 de Setiembre. Hasta entonces. Disfruta la canción.



sábado, 12 de agosto de 2017

EL MAGO DE OZ: 78 AÑOS DE MAGIA






Este mes de agosto del 2016, se cumplen 78 años del estreno en los cines y teatros norteamericanos de uno de los filmes más queridos y recordados en la historia del cine, y que además, es mi película favorita: “EL MAGO DE OZ”. La premiere fue en el Strand Theatre, en Wisconsin el 12 de Agosto de 1939 y en el Grauman's Chinese Theatre en Hollywood el 15 de Agosto. La premiere en New York fue en el Loew's Capitol Theater el 17 de Agosto, y finalmente fue exhibida a nivel nacional el día 25 de Agosto. Todo esto sucedió, hace 78 años. Hace ocho años, le dediqué un post a este clásico del cine y hoy he querido actualizar dicho post, ordenarlo mejor y publicarlo con fecha de hoy.

“The Wizard of Oz”, uno de los más grandes clásicos de la historia del cine, es todo un ícono en la cultura popular, y hasta el día de hoy mantiene toda su magia intacta y vigente. Basada en la novela de L. Frank Baum, la historia se centra en Dorothy -una adolescente Judy Garland en el papel que la consagró en el mundo entero- y en su perro Toto, quienes son absorbidos por un fuerte tornado en Kansas y acaban en la tierra de Oz. Allí conocen a la Bruja Buena del Norte, quien les recomienda que sigan por el camino de baldosas amarillas en dirección a Ciudad Esmeralda para ubicar al Mago de Oz, quien podrá ayudarles a regresar a casa. Además, la hechicera le regala unas zapatillas rojas a Dorothy y en ese camino Dorothy conoce a tres acompañantes: un hombre de hojalata que desea un corazón, un león que sueña con recobrar la valentía perdida y un espantapájaros que ansia tener un cerebro. Todos van en busca del Mago de Oz, para que los ayude a cumplir sus deseos, pero en ese recorrido tendrán que lidiar con la Malvada Bruja del Oeste, que quiere recobrar las zapatillas rojas que lleva Dorothy e impedir que los personajes consigan sus propósitos. Las aventuras de Dorothy y sus tres amigos suponen “la quintaesencia de las películas de estudio en Hollywood”. Así lo aseguró a Efe Randy Haberkamp, programador del ciclo “El mejor año de Hollywood: las candidatas a mejor película de 1939”, organizado por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en el Teatro Samuel Goldwyn, de Los Ángeles. “Cada toma fue rodada en un escenario. No hay nada real en el filme. Todo es una fantasía, una completa creación artística. Fue un trabajo específico correspondiente a una época específica, y eso convierte la película en un cuento de hadas eterno”, comentó Haberkamp.

Pero la cinta, en su primer estreno, perdió dinero, habiéndose gastado demasiado en escenas que no fueron incluidas, en vestuario costoso y en un largo proceso de casting. Y además pudo haber tenido un aspecto muy diferente si se hubieran llegado a cumplir ciertas exigencias de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Por ejemplo, en un principio se pensó que la Malvada Bruja del Oeste debía tener un aspecto glamouroso, que las zapatillas de Dorothy serían plateadas como en la novela o que el célebre tema “Over the Rainbow” no iba a aparecer en el film, por considerarse triste y que podría desviar la trama hacia un público adulto. “Fue un rodaje complicado, toda la producción resultó difícil y muy cara para la época”, comentó Haberkamp.


Aunque en honor a la verdad, hubiera sido un crimen si se hubiera prescindido de este inmortal tema, que es considerado como uno de los himnos de la época dorada de Hollywood. Es más, "Over The Rainbow" fue elegida Mejor Canción del cine en EEUU, encabezando la lista de los cien mejores temas de películas, según decidió el Instituto Americano del Cine (AFI). En segundo lugar se ubicó "As Time Goes By", del film "Casablanca", seguida de "Singin' in the Rain" del musical "Cantando bajo la lluvia", y las cien canciones fueron seleccionadas por 1.500 actores, directores, guionistas y críticos de una lista de 400. Una canción que te dice que a pesar de los problemas que te agobien en tu vida diaria, siempre hay un arcoiris por el cual debemos luchar por alcanzar.



En lo personal, debo decir que ví por primera vez esta película en el cine en el año 1975, cuando tenía 12 años. Recuerdo que era en el otrora cine “Western” y fui con un amigo a verla, y al comienzo me parecía una película para niños –cuando uno es adolescente, odia que lo califiquen como a un niñito-, y medio que me estaba aburriendo. Hasta que llegó la secuencia cuando la casa de Dorothy aterriza en Oz luego del tornado y el blanco y negro de la película se convierte en un vistoso tecnicolor, lleno de magia y armonía. Pero al terminar la película, recuerdo que me gustó y estuvo bonita, pero nada más. Bueno, a los 12 años no se puede pretender analizar con seriedad una película, ya que uno quiere ver películas de acción, diversión y hasta de terror.

Muchos años después, allá entre los años 1992 y 1993, volví a verla pero en VHS, ya que por esa época todos los fines de semana alquilaba películas para ver, y habían buenas ofertas y un fin de semana, quise alquilar “El Mago de Oz” para volver a verla. Y la ví con otra óptica y ya no como un adolescente, sino con la perspectiva de alguien en sus 30 años. Además, sabía que era la película favorita de Brian May, guitarrista de QUEEN, y uno de mis músicos favoritos. Y esta vez, a diferencia de lo vivido casi 18 años atrás, me gustó muchísimo y me pareció una película para todas las edades. Pero, todavía no la consideraba entre mis cinco películas favoritas de siempre.




Hasta que en el año 2004, en unos talleres vivenciales de Life Simphony, que me sirvieron de mucho en la vida, me tocó vivir una experiencia vivencial en grupo alrededor de esta película y pude sentir la esencia de este maravilloso film. Y luego de lo vivido en esa oportunidad, de una cosa estoy seguro: de esa película no me voy a olvidar nunca jamás. Me fascinó cada detalle y me quedó grabado los mensajes más importantes que encierra: el de seguir tus sueños y perseverar hasta llegar a tu meta; el verdadero trabajo en equipo; y que realmente no hay nada como el hogar. Muchas veces queremos buscar por fuera aquello que tenemos por dentro y no vemos, y por ambicionar lo que no tenemos, no valoramos lo que realmente tenemos.




Ese camino amarillo encierra mucha simbología, y es lo que nos separa de nuestras metas, y por más lejano que parezca esa meta y por más difícil e incierto que pueda ser ese camino, de todas maneras hay que recorrerlo con fe, confianza y seguridad en sí mismo y sabiendo que de todas maneras llegaremos a nuestra meta ansiada. Y eso resultó aplicable más que nunca en mi sueño de ver a QUEEN + Paul Rodgers en concierto en Chile. Nunca sentí tan preciso ese mensaje de “El Mago de Oz” en las semanas previas a mi viaje, con tantas barreras que se iban apareciendo en el camino, y luego en nuestro viaje. El Estadio San Carlos de Apoquindo, donde fue el concierto, era como Ciudad Esmeralda, y el camino era largo y sinuoso. Y lo curioso fue que éramos cuatro las personas que estaríamos juntos en ese concierto: mi amada esposa Silvana, mi gran amiga Mapi Zevallos, mi entrañable amigo Abraham Noblecilla y quien escribe. Y lo mas gracioso fue que cuando ya nos íbamos al estadio, y caminábamos por el Metro de Santiago, las escaleras eran de color amarillo y veíamos eso y nos matábamos de la risa, diciendo, "falta poco para Ciudad Esmeralda". Hasta bromeábamos para ver con qué personaje de la película nos identificaríamos. Recuerdo que le decíamos a Mapi, "tu te ganaste el derecho a ser Dorothy, y por su pelo rizado, Silvana es el león. Y entre Abraham y yo decidimos quién será el espantapájaros y quién el hombre de lata". Cuatro años después de haber vivido la esencia de este film en mi proceso vivencial en los talleres antes mencionados, en noviembre del 2008 este maravilloso film se convirtió en mi película favorita de toda la vida. Y justo también en ese 2008, para suerte mía, mi hermano Alex, en un viaje a Argentina, me regaló el DVD original doble de "El Mago de Oz", que contiene abundante material extra y material imperdible para los que amamos este film. Y aproveché para regalarle la copia que tenía en muy buen estado a mi amiga Mapi, como un recuerdo de lo que nos tocó vivir en Santiago.





En el año 2013 se reestrenó en formato IMAX 3D el 20 de septiembre en Estados Unidos en el TCL Chinese Theatre, por una semana, como parte del aniversario número 75 del filme. Y el 1° de Octubre también salió en formato Blu-ray y en DVD, con cinco discos con infinidad de extras, libretos con fotografías, un mapa del territorio de Oz y demás material.  Para terminar, agrego el comentario del reputado crítico e historiador de cine inglés David Thomson, quien señaló lo siguiente: “Esta película trata de esa magia en las que nos gusta creer y acerca de los sueños que ambicionamos en lo más profundo: ser felices. Al mismo tiempo, nos habla de la realidad, de amar nuestro hogar y a las personas que nos rodean”. Hoy, 78 años después de su estreno, "EL MAGO DE OZ" es un film para verlo siempre en familia y está más vivo que nunca, y en épocas como las actuales, en las que se suele vivir de prisa y sin descanso y donde la gente no lucha por sus sueños, prefiriendo su trabajo antes que su familia y su hogar, sus simples mensajes siguen siendo aplicables en el mundo: perseguir tus sueños y trabajar en equipo, y porque además no hay mejor lugar que el hogar





QUEEN EN LA CEREMONIA DE CLAUSURA DE LONDRES 2012






Hace cinco años, el 12 de Agosto del 2012, se llevó a cabo la Ceremonia de Clausura de las Olimpiadas de Londres 2012, y en su momento posteé sobre lo que fue la presencia de QUEEN y su música en dicha ceremonia de clausura. Como suelo hacer con algunos posts, he querido actualizarlo y publicarlo con fecha de hoy.



Para los que amamos el rock clásico británico el domingo 12 de agosto del 2012 quedará siempre en el recuerdo. Ese día se llevó a cabo la ceremonia de Clausura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, la cual fue sencillamente majestuosa e inolvidable, en donde desfilaron los más representativos nombres del panorama musical británico de los últimos 50 años. Hubo para todos los gustos. Desde el arranque con Madness y un viaje a los 80’s con su clásico “Our House”, desfiló gente como George Michael, Annie Lennox, Liam Gallagher de Oasis,  las Spice Girls y Muse, así como un tributo a Pink Floyd con Ed Sheeran y Nick Mason de Pink Floyd con el clásico “Wish You Were Here”. También hubo un emotivo tributo a John Lennon, en donde un coro de niños interpretó el clásico himno “Imagine”, junto con un video de Lennon cantando el tema. Y dos grupos británicos legendarios que nacieron en los 60’s estuvieron también presentes: The Kinks con el clásico “Waterloo Sunset” y The Who con un medley de sus éxitos. Pero sin duda alguna, uno de los puntos más destacados en esa memorable noche fue la presencia de la música de QUEEN. Y como era de esperarse, una vez más, quien se robó el show fue Freddie Mercury, como lo había hecho 32 años atrás en ese mismo lugar.

Días antes ya se sabía la relación de artistas que participarían en la Ceremonia de Clausura y en una conferencia de prensa el día sábado 11 de Agosto, el director artístico de la Ceremonia de Clausura, Kim Gavin señaló que quería que el evento fuera el mejor “after-show party” que hubiera existido. Y vaya que lo lograron. Y para los que somos queeneros, desde semanas atrás ya sabíamos que Brian y Roger, como QUEEN, iban a estar presentes en la Clausura. Lo que se ignoraba al comienzo era si estarían solamente los dos o si tocarían con algún cantante. Y los rumores estaban a la orden del día, se hablaba de un reencuentro con Paul Rodgers, o con Adam Lambert, aunque esto último era poco probable, ya que Lambert es americano y la gente que participaría era británica por ser las Olimpiadas en Londres. Al final, se reveló que Brian y Roger –como QUEEN- estarían junto a la cantante británica Jessie J.  La consideraba como una muy buena cantante con una excelente voz y en lo personal, me parecía genial la posibilidad que cantase junto a Brian y Roger uno de los clásicos de QUEEN. Y cuando salió el set list de las canciones que desfilarían el domingo 12, el tema elegido para QUEEN + Jessie J era el inmortal himno “We Will Rock You”. Y para agregar más expectativa se comentó que aparecería un holograma de Freddie Mercury. ¿Mejor? Imposible.


 


No voy a abundar en detalles sobre lo que ya deben haber visto o sobre lo que verán en el video que incluimos en el presente post. Pero sin duda, fue totalmente emocionante ver la imagen de Freddie Mercury en el centro del estadio con cuatro pantallas, con las imágenes del concierto en el Wembley Stadium en 1986, en la que Freddie hace sus acostumbrados juegos vocales e interactuando con el público. Fue un justo y merecido homenaje a un grande de la música británica contemporánea y fue emotivo ver cómo todo el público le respondía a Freddie, coreando sus juegos vocales, de la misma manera que aconteció hace 31 años. Es increíble confirmar que alguien que tiene casi 26 años de haber muerto, sigue generando una respuesta tan abrumadora por parte de la gente. Eso lo logran solo los grandes. Y así como sucedió en el homenaje a John Lennon, me atrevo a decir que esos fueron los momentos más emocionantes de esa noche. 



Y tras finalizar esa mágica aparición de Freddie, acto seguido Brian May tomó el escenario para regalarnos uno de sus acostumbrados solos de guitarra con su clásica Red Special y con extractos de “Brighton Rock” y luego el clásico riff inicial del inmortal himno “We Will Rock You”, como QUEEN solía hacerlo en vivo y Roger Taylor en el centro en la percusión y de ambos lados, tanto Brian como Jessie J iban caminando hacia el centro del escenario al compás del riff de guitarra. 

 


Al unirse los tres, Jessie J comenzó a interpretar el tema mientras todo el estadio aplaudía al unísono y fue un momento espectacular en mi opinión, donde Brian y Roger mostraron toda su energía y su fuerza en el escenario. En lo que concierne a la británica Jessie J, me encantó su performance junto a Brian y Roger, y no me extrañó porque ya la había escuchado antes y sabía de la buena voz que tenía. Y aquí me quiero detener un momento. Al día siguiente de esta performance, como ya es habitual, salieron los “fanáticos mercurianos” a ponerle la cruz a Jessie J y por los mismos motivos de siempre: que arruinó el tema, que no la cantó igualito a Freddie, que estaba vestida con poca ropa y tontería y media. Ya veo que en eso, el fan de QUEEN –y hablo del fanático irreflexivo y cegado- es el fan más obtuso que hay en el planeta. En vez de relajarse y disfrutar de la música de QUEEN, prefieren sólo criticar y criticar, pero con calificativos y sin argumentos. Se enfocan en el árbol y no en el bosque, que en este caso, es el hecho que Brian y Roger hayan estado juntos y tocando en vivo en un acontecimiento importante como lo fue la Clausura de las Olimpiadas en Londres 2012 y encima, haciéndolo muy bien. Pero eso les importó poco, solo se enfocaron en lo negativo porque alguien osó cantar una canción de su “Dios Freddie”. Veo demasiada sacralización al respecto, y si Freddie viera todo esto, se reiría de ver cuán necios, intolerantes y radicales son aquellos que dicen ser sus fans. En fin, eso nunca va a cambiar y lo único que queda es disfrutar los momentos en que Brian y Roger estén juntos en un escenario, sea cual fuere el o la cantante que los acompañe. En cinco o diez años, eso ya solo será un recuerdo.

 


Finalizo este post enfatizando que lo mágico de aquella noche fue comprobar una vez más, la eterna vigencia de QUEEN y su música, y QUEEN estuvo presente a través de las imágenes de Freddie y luego con la performance de Brian y Roger al lado de Jessie J. Fue buena la elección de “We Will Rock You”, porque es un tema que enciende a la gente y la invita a ser parte de ella, aplaudiendo y cantando a voz en cuello –como yo lo hice en el 2008 en Chile. Aunque en mi opinión personal, hubiera sido extraordinario si también hubieran tocado “We Are The Champions” ya que era la ocasión propicia y perfecta.  Cuando pasen los años y se recuerden estos Juegos Olímpicos de Londres 2012, algo que siempre permanecerá en el recuerdo será la gran ceremonia de Clausura y dentro de ella, la eterna y vigente presencia musical de QUEEN.



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